¿Tienes vocación profesional en el mundo cultural e inquietudes de emprender?

Si contestas afirmativamente o incluso consideras que las nuevas oportunidades de trabajo están en promover uno su propio futuro, te interesará el programa formativo Director de Proyectos Culturales, que imparte el prestigioso espacio cultural La Fábrica en Madrid.

Este diseño de formación ya está en su tercera y cuarta edición, contando con dos formatos distintos cada año. Se puede optar entre la modalidad de tardes de martes a jueves o de viernes por la tarde y sábado por la mañana, adaptándose así a las agendas laborales cada vez más flexibles.

Estos cursos cuentan con 500 horas presenciales, incluyendo clases teóricas, tutorías, prácticas profesionales y visitas a distintos espacios de interés cultural. Se basa en la construcción por cada alumno de su propio proyecto, con el apoyo de profesionales líderes en el sector como profesores.

Todo esto es a su vez aportando los veinte años de experiencia de La Fábrica, en la creación de proyectos en los más variados ámbitos culturales donde han descubierto en cada momento oportunidades para desarrollar con éxito el panorama actual, como con PHotoEspaña o La Fábrica Editorial.

Para más información, no dudes visitar la web: http://www.lafabrica.com/es/cursos/p/5/director-de-proyectos-culturales, y contactar con la propia institución que, desde mi experiencia, te darán información personalizada de manera extensiva y cercana.

Roni Horn: Todo dormía como si el universo fuera un error

Roni Horn, nacida en Nueva York en 1955, es artista del dibujo, la escultura, la fotografía y la instalación, pero también gran lectora y escritora. En su actual exposición en CaixaForum Madrid, abierta hasta el 1 de marzo, se puede admirar la unión de todo ello. 

Esto se refleja incluso en el título escogido por la artista para su exposición, Dormía todo como si el universo fuera un error, que proviene del Libro del desasosiego, referente literario del escritor portugués Fernando Pessoa a pesar de ser una obra sin completar. 

Se hace alusión a la sensación de incomodidad de estar en el mundo, que Roni Horn emplea para plantearse a si misma importantes interrogantes y que resuelve tan bien logrando una obra que produce tan cálidas sensaciones como suavidad, calma o silencio. 

La exposición cuenta con obras de la artista realizadas entre 1996 y 2011, incluyendo la serie White Dickinson o Rings of Lispector, en honor a la poetisa estadounidense Emily Dickinson y a la escritora brasileña Clarice Lispector, convirtiendo sus palabras en escultura.

White Dickinson, 2006-2010

You are the Weather Part 2, 2011

If 6, 2011-2012

That VI, 1993

Still Water (The River Thames, for Example), 1999

Las series de fotografías You are the Weather o You are the Weather Part 2, aludiendo a Heráclito y su cita de que no podemos sumergirnos dos veces en el mismo agua, retratan con absoluta minuciosidad los gestos de una mujer sumergiéndose en distintas aguas termales.

Sus dibujos de gran formato expuestos, entre los que están If 6 y That VI, en pigmento en polvo, grafito, carboncillo, lápiz de color y barniz sobre papel, obras parecidas a mapas que resultan de peso de una manera tan liviana, evocan también a la transformación y el cambio.

A su vez está la serie Still Water (The River Thames, for Example), que muestra el cambio de color, textura y luz del río Támesis a su paso por Londres, además de unas muy concretas notas al pie de cada fotografía para inspectores meticulosos. 

Roni Horn es una muy interesante y reconocida artista, con formación en Rhode Island School of Design y Yale University, y que en España ha sido galardonada con el Premio Joan Miró en 2013, que se otorga a relevantes artistas de dimensión internacional.

Reconocimiento a la larga trayectoria artística de Malick Sidibé

Anima a empezar el año nuevo con valentía inspeccionar carreras profesionales como la de Malick Sidibé. En este caso se trata de un artista con el notable fin de mostrar la cultura popular de África, aún por descubrir para muchos.

Nacido en Malí en 1935 ó 1936 y habiendo sido campesino desde los cinco o seis años, empieza su vida escolar en un colegio de blancos. Ahí desde el inicio se interesa por el arte y en los cursos superiores destaca realizando dibujos para eventos oficiales.

A raíz de ello y por su talento, se le selecciona para ir a la Escuela de Artesanos Sudaneses, ahora Instituto Nacional de las Artes de Bamako, dónde completó sus estudios de dibujo y joyería.

La fotografía arranca en su vida en 1955, al conocer al francés Gérard Guillat-Guinard, quien solicita un decorador para su estudio. La escuela envía a Malick Sidibé como uno de sus mejores dibujantes. Ahí se quedó como aprendiz, hasta que abrió su propio estudio conocido como Studio Malick. 

Nuit de Nöel, 1963

Un Yeyé en position, 1963

Sin título, entorno a 1970

Femme peulh du Niger, 1970

Large family from the rear, 2000

Inicialmente se especializa en fotografía documental con una orientación clara a la juventud de Bamako. Y en la década de 1970 se encamina a los retratos de estudio, por lo que hoy en día se le conoce mundialmente.

Su galería es Fifty One Fine Art Photography, en Amberes, y una gran parte de su obra se encuentra en The Contemporary African Art Colecction (CAAC) de Jean Pigozzi. Y entre sus grandes éxitos está ser ganador del León de Oro, premio por toda una carrera, de la Bienal de Venecia en 2007.

Rondando los 80 años de edad, sus últimas exposiciones más relevantes han sido en 2011 Paris Photo, de Artur Walther Collection, en Grand Palais y, entre 2012 y 2013, Everything was Moving Exhibition, en Barbican Gallery (Londres).

Por experiencia propia, una vez se descubre a este artista, ya siempre se le sigue y produce las conexiones más inesperadas. Hallé esta viva obra hace años en publicaciones y luego me sorprendió una muy completa exposición del artista en la Fondation Zinsou, en un viaje a Benín, en 2008.

Carpe Diem Arte e Pesquisa: Cultura contemporánea sostenible

En 2009 nace en Lisboa Carpe Diem Arte e Pequisa, una organización sin ánimo de lucro, que tiene entre sus principales objetivos promover la producción cultural contemporánea, destacando sus proyectos de curadores mediante su programa de residencia de artistas y de exposiciones.

Tim Etchells

Se ubica en el Palacio Pombal, construido en el siglo XVI y que permanece deslumbrante a pesar de su deterioro por el transcurso del tiempo. Este magnífico edificio en la capital portuguesa es Patrimonio de la Humanidad y actualmente está otorgado en concesión a esta institución.

Álvaro Negro

Se seleccionan artistas nacionales e internacionales a los que se ofrece residencia artística, incluyendo la posibilidad de exponer en el propio Palacio Pombal su obra creada durante su estancia, existiendo así un fuerte vínculo entre el trabajo del artista y su lugar de creación y muestra.

Christina Meirelles

De esta manera se celebran unas tres o cuatro exposiciones al año, aparte de conferencias y otras actividades educacionales, como workshops o charlas con artistas. Todo ello es bajo la dirección artística de Lorenço Egraja, uno de los fundadores y a través de quién tengo la suerte de conocer esta iniciativa.

Luís Nobre

Como organización sin ánimo de lucro, cuenta con una red de colaboradores y voluntarios, además de soporte de otras entidades culturales, que hacen que todo esto sea posible. Y también se vende obra gráfica de los artistas que participan en esta actividad, con la finalidad de ser un proyecto sostenible.

Manuel Caeiro

Dichas obras se ofrecen a escala pequeña y en una edición limitada de 30, con certificado de autenticidad, a un accesible precio de 150 euros en Portugal, 200 euros en el resto de Europa y 250 euros fuera de Europa. Son infinitas las obras que pueden gustar: http://www.carpediemartepesquisa.com/en/shop.

Pedro Calapez

Durante todo este post he ido mostrando ejemplos de mis obras preferidas, lo que considero un regalo ideal, tanto por su estética como por suponer una contribución para la continuidad de esta bonita iniciación, que permite carreras artísticas e incluso el digno mantenimiento de un edificio tan emblemático.

Art Basel Miami Beach en cifras

Una semana después del cierre de la 13ª edición de Art Basel Miami Beach, que ha tenido lugar del 4 al 7 de diciembre de 2014, ¿de qué cantidades económicas se puede hablar?

Es la feria que por excelencia cierra el año del mercado del arte internacional y en esta ocasión se iniciaba con las expectativas de los buenos resultados de las subastas de Nueva York del mes de noviembre.

En esta última edición se ha contado con 267 galerías, 8 más que el año anterior, aportando obras por valor de 3.000 millones USD, según AXA Art Insurance Corp, 500 millones más que el año anterior.

De acuerdo con la propia feria, los visitantes, entre ellos artistas, coleccionistas, galeristas, curadores y amantes de arte, ascienden a 73.000 personas, reunidos en Miami Beach Convention Center.

Esto es aparte de las cerca de 20 ferias satélite que tienen lugar en Miami en las mismas fechas y de los museos y colecciones privadas de la zona que ofrecen sus mejores exposiciones esos días.

Al inicio de Art Basel Miami Beach, los valores de las piezas oscilaban entre dibujos de 1.500 USD y una escultura móvil de Alexander Calder de 35 millones USD. Los resultados de las ventas en cambio son privados.

Sin duda es un gran acontecimiento de arte internacional, en el que los mercados se van mezclando cada vez más, este año con un incremento particular de interés de visitantes de China, Rusia y Brasil.

Por supuesto no todo son los números, pero sí que sirven de referente de lo que está ocurriendo en las economías mundiales y cuáles son las tendencias, ocupando el arte contemporáneo un lugar muy enérgico.

¡Gracias Helga de Alvear por liderar el mecenazgo del arte contemporáneo!

 Es para estar infinitamente agradecidos por el impulso que la coleccionista y galerista Helga de Alvear ha aportado al arte contemporáneo. Ello no hace más que consagrarse con el legado de su tan apreciable colección que ha transferido al Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear.

Dicho espacio está abierto al público desde 2010 en el casco histórico de Cáceres. Por ello, esta ciudad de España dónde el patrimonio cultural es de máximo valor y belleza, se ha convertido también en una parada indispensable para los amantes del arte contemporáneo. 

La actual invitación que ofrece hasta el próximo 11 de enero de 2015 es la exposición de fotografía e imagen en movimiento titulada Las lágrimas de las cosas. Está comisariada por Marta Gili, notable y admirable española directora del Jeu de Paume de París. 

Hannah Collins (Londres, 1956)

Salt-3, 1994

Fotografía b/n sobre papel a la gelatina de plata

Edward Ruscha (Omaha, 1937)

Parking Lots, 1967/1999

Fotografía b/n sobre papel a la gelatina de plata

James Casebere (Lansing, 1953)

La Alberca, 2005

C-print de archivo digital sobre aluminio

Frank Thiel (Kleinmachnow, 1966)

Untitled # 03 (City TV Berlin Series), 1999

C-print sobre Diasec

Ignasi Aballí (Barcelona, 1958)

Desapariciones, Les choses, 2002

Impresión digital Prolaser sobre papel

Candida Höfer (Eberswalde, 1944)

Banco de España Madrid IV, 2000

C-print sobre papel

Hans-Peter Feldmann (Dusseldorf, 1941)

Extracto de Billy Bookshelves by Ikea (The Artist's Library), 2007

Fotografía analógica b/n en papel Ilford

La presente muestra y su denominación nos recuerdan y trasladan a Virgilio, en concreto a Eneida, Libro I: "¿Hay algún lugar en la tierra que no esté lleno de nuestros esfuerzos?... Hay lágrimas en las cosas y lo mortal conmueve el alma". 

Este núcleo referente de arte contemporáneo, diseñado por el estudio de arquitectos Tuñón y Mansilla, da la sensación de proyecto consolidado. Pero sorprendentemente está aún en construcción, lo que se completará con un edificio anexo de gran dimensión.

Toda la gratitud a Helga de Alvear por poner cimientos al mecenazgo mediante la introducción y divulgación del arte contemporáneo con tanta pasión y perseverancia. El Centro de Artes Visuales de la Fundación bajo su nombre, es ya la ubicación que recordará esta honrosa labor.

Una vuelta entre maravillosa obra de grandes maestros

La recientemente inaugurada exposición a Su imagen. Arte, cultura y religión, en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa de Madrid, presenta obras de arte de inmensa belleza reuniendo una extensa variedad de referentes de la historia sagrada.

A continuación adelanto algunas de las piezas más atractivas para mí de las obras exhibidas, lo que en cambio no es sino una muy limitada muestra de las creaciones que se pueden visitar, de artistas como Lucas Cranach, Zurbarán, Van Dyck, Alonso Cano o Murillo:

Juicio de Salomón

Francisco Gutiérrez Cabello

Hacia 1650

Óleo sobre lienzo, 108,5 x 166 cm

Colección Banco Santander, Madrid

Extracto de Sansón y el león

Pedro Pablo Rubens

Hacia 1616-1617

Óleo sobre lienzo, 226 x 265 cm

Fondo Cultural Villar Mir, Madrid

Traslado del arca de la Alianza

Luca Giordano

Hacia 1695-1696

Óleo sobre lienzo, 247 x 345 cm

Patrimonio Nacional - Palacio Real, Madrid

Expulsión de los mercaderes del templo

El Greco

Hacia 1610-1614

Óleo sobre lienzo, 106 x 104 cm

Real iglesia de San Ginés, Madrid

Desde mi punto de vista, la grandeza de esta exposición es la oportunidad de observar como la religión ha sido una fuente de inspiración para artistas de todos los tiempos y que como resultado de ello quedan sus obras de un valor estético e histórico extraordinario.

Extracto de Concepción de la Virgen

Ambrosius Benson y taller

Hacia 1530-1540

Óleo sobre lienzo, 186 x 176 cm

Parroquia de Santa María, San Llorente de Losa (Burgos)

Extracto de Tríptico de la Anunciación

Joos van Cleve

Hacia 1540-1541

Óleo sobre tabla, tabla central 112 x 85 cm - tablas laterales 112 x 42 cm

Catedral de Santo Domingo de la Calzada, La Rioja

Oración en el huerto

Francisco de Goya

1819

Óleo sobre tabla, 47 x 35 cm

PP. Escolpios. Provincia Escuelas Pías de Betania, Madrid

Tentación de santo Tomás

Diego Velázquez

1632

Óleo sobre lienzo, 244 x 203 cm

Museo Diocesano de Arte Sacro, Orihuela (Alicante)

Esta exposición de pinturas, esculturas, tapices y otros objetos singulares, que cuenta con soporte tecnológico para una completa experiencia didáctica, está abierta al público hasta el 12 de abril de 2015. La web www.asuimagen.es es de gran utilidad.

Es un plan ideal para iniciar las fiestas, gracias al patrocinio de entidades privadas y fundaciones, que hoy en día juegan un papel fundamental en la divulgación de la cultura. En esta ocasión, se hace mostrando los vínculos entre el arte, la cultura y la religión.

¿A quién no impacta el hiperrealismo?

El hiperrealismo no suele dejar indiferente a nadie porque es absolutamente sorprendente la capacidad de los artistas de este movimiento de plasmar la realidad a través de la brocha con más fidelidad y objetividad que la propia fotografía.

Esta tendencia radical que surge en Estados Unidos a finales de la década de los 60 del siglo XX es fácilmente confundible con el fotorrealismo, que se basa en la pintura a partir de la fotografía evolucionando a partir del Pop Art, siendo así una variante del hiperrealismo.

John Baeder
Prout's Diner, 1974
Óleo sobre lienzo
76 x 122 cm

Audrey Flack
Shiva Blue, 1972-1973
Óleo sobre acrílico sobre lienzo
89 x 127 cm

Ralph Goings
Los favoritos de América, 1989
Óleo sobre lienzo
76 x 89 cm

Rod Penner

212 / Casa nevada, 1998

Acrílico sobre lienzo

91 x 137 cm.

En el Museo de Bellas Artes de Bilbao, que cuenta entre sus líneas expositivas con programas de revisión de movimientos artísticos contemporáneos de importante trascendencia social y estética en su momento y que ahora son clásicos, actualmente se muestra Hiperrealismo 1967-2013.

Esta exposición, abierta al público hasta el 19 de enero de 2015, repasa la historia del hiperrealismo y del fotorrealismo desde sus inicios hasta la actualidad, por lo que recomiendo no dejar escapar la oportunidad de explorar esta tendencia.

Emilio Gañán y la geometría

Entre mis flechazos por las obras expuestas en ferias de arte, siempre hay alguna pieza basada en la geometría, esa rama de la matemática que se ocupa del estudio de las propiedades de las figuras en el plano o en el espacio. 

Y en ese filtro que realizo de manera inconsciente, ha surgido la admiración que tengo por el artista Emilio Gañán (http://www.emilioganan.es/), nacido en Plasencia en 1971 y que actualmente vive y trabaja en Madrid.

Contando con formación académica y becas de distintas instituciones en España, su obra de gran formato ha sido mostrada por galerías en su país y también más allá de sus fronteras, como en Portugal, Brasil y Argentina. 

Rojo s/t 7

Blanco / Negro

Arritmia III

En mi caso, he tenido la suerte de encontrarme con su trabajo gracias a la Galería Fernando Pradilla (http://galeriafernandopradilla.com/galeria/) que le representa, ubicada en Claudio Coello número 20 de Madrid.

Dicha galería merece una mención especial ya que acoge a muy interesantes artistas de distintos países y tiene presencia en ferias internacionales como ARTBO, SUMMA, PINTA, SP ARTE, ART LIMA y JUSTMAD.

Espero que los lectores que lleguen a este blog disfruten de la obra de este artista tanto como yo, que me considero afortunada de haber dado con él, y confío que su talento se continuará divulgando aún más allá.

Cultivando amantes del arte

El nombre de la juguetería, librería y taller infantil en la calle Válgame Dios número 6 de Madrid es Zig Zag (www.zigzagkids.es/), lugar ideal donde encontrar juguetes didácticos, una amplia selección de libros en distintos idiomas y un espacio de actividades enriquecedoras relacionadas con el arte.

Dibujos de los talleres

Colección de animales

Los cursos de escultura, pintura y dibujo de este otoño son a través del método para desarrollar la creatividad, diseñados e impartidos por Marta de la Rocha (www.reojo.es), dedicada a esta materia por medio de la formación artística desde hace más de una década.

La librería

Muestra de juguetes

No le perdería la pista a Zig Zag, como punto de referencia de diversión y crecimiento para menores de manera sana e inteligente, ni a su actual maestra Marta de la Rocha cuyas actividades y experiencia se puede consultar en su web, a quien gracias a este post yo misma he descubierto.

Frank Gehry nos vuelve a conquistar con la Fundación Louis Vuitton

El mundo fundacional está imparable y ello se reafirma con la inauguración el pasado 27 de octubre del sensacional edificio de la Fundación Louis Vuitton en París, diseñado por Frank Gehry.

Dicha Fundación, creada en 2006 por el grupo LVMH bajo el encargo de Bernard Arnault, tiene por objeto la promoción y el soporte de la creación artística contemporánea para un amplio público.

Foto de la página oficial de la Fondation Louis Vuitton en Facebook

Frank Gehry, arquitecto canadiense y estadounidense de 85 años basado en Los Ángeles, es ganador del Pritzker Prize de 1989 y muy recientemente del Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 2014.

Foto de la página oficial de la Fondation Louis Vuitton en Facebook

Aparte de muchos otros honores, cuenta entre sus más aclamados trabajos con: Vitra Design Museum, Museo Guggenheim Bilbao, Walt Disney Concert Hall...  

Esta creación refuerza la posición de París como sede cultural y ha vuelto a despertar la admiración de todos por su arquitecto, que asimismo demuestra que los grandes genios nunca descansan.

Leonora Hamill (¡seguro que querrás una obra suya!)

La obra artística de Leonora Hamill entra por los ojos a primera vista y, en base a lo experimentado, además se mantiene en tu memoria. Son por tanto de esas creaciones que son una infalible apuesta ya que invariablemente siempre te gustarán. 

Así lo percibo yo y veo que igual lo observan todas las personas de mi alrededor que tienen la suerte de descubrirla. Por ello, antes de andar con su excelente biografía, lanzo unas fotografías de la artista para el disfrute del lector:

Sculpture I Bombay, 2011

© Leonora Hamill, courtesy the artist 

Sculpture I Tétouan, 2011
© Leonora Hamill, courtesy the artist

Drawing I Moscow, 2012
© Leonora Hamill, courtesy the artist

Estas fotografías pertenecen a su serie Art in Progress, captadas en escuelas de arte por Europa, Asia, África y América, entre 2009 y 2012. Aunque los alumnos no se ven en las aulas, ellos y su trabajo en curso permanecen presentes en el espacio que han ocupado.

La artista nació en París en 1978 y actualmente vive entre Nueva York y Londres, habiendo estudiado Historia del Arte en Londres y Oxford, así como Bellas Artes en Nueva York y Londres.

Entre sus hitos está ser la ganadora del Premio HSBC de Fotografía 2012 en París, además de contar con exposiciones individuales en galerías punteras de Berlín y Londres, incluso una colectiva el año pasado nada más y nada menos que en Somerset House en Londres.

Su siguiente proyecto que tendremos la oportunidad de ver muy próximamente es Furtherance, una instalación vídeo in situ en la bella iglesia Saint-Eustache de París, del 4 de diciembre de 2014 al 18 de enero de 2015, sobre lo que aquí hay un adelanto:

Leonora Hamill, Furtherance, 2014, 35mm transferred to 2K, color, 2 channel HD projection, dimensions 1585mm x 2775mm per channel, duration 08' 30'' 

© Leonora Hamill, courtesy the artist and Rubis Mécénat Cultural Fund, 2014

  Es una filmación de trazos de actividades diarias en la iglesia, inusuales puntos de vista arquitectónicos y un ciervo vivo en el espacio, que se proyectará en las vidrieras de la iglesia, como continuidad de la asociación de esta ubicación con artistas contemporáneos como Bill Viola.

¡Le deseo mucha suerte a Leonora Hamill para la larga y fructífera carrera que promete, en la que todos sus seguidores podamos alegrarnos de sus resultados tan maravillosamente estéticos!